Svea Bräunert

From automated navigation to weather forecasts, data visualizations, and painting, abstraction has an undeniable presence in the contemporary world. Yet, it not only represents but also creates worlds. It is an operative concept that likewise possesses an imaginary thrust for perceiving things otherwise. As such, abstraction comes in many different forms: It is an aesthetic, a technology, an epistemology, and a practice. Therefore, it is also a political attitude, a mode of description, a tool of complexity reduction, and an instruction for intervention. Depending on its context and use, it can take on radically different connotations, ranging from dehumanizing to appealing, from affirmative to critical, from incorporated to autonomous.

Taking its cue from the different meanings and applications of abstraction, the international lecture series “Abstraction Today: The Real and the Imaginary” is designed as an interdisciplinary endeavor with a focus on visual media and digital culture. Most digital technologies (like networks, computer simulation or artificial intelligence) and correlated practices are closely connected to different forms of abstraction on different levels. To do justice to the complexity of the phenomenon, the series brings together a group of international scholars, artists, and curators who speak on abstraction today as it unfolds in fields such as art, photography, film, design, image science, visual culture studies, philosophy, and more. Grounding the inquiries into the contemporary conditions of abstraction are contributions focusing on its historical lineage, most importantly its emergence within the discourse of modernism to be understood in its global and postcolonial plurality.

With Presentations by Kim Albrecht, Crystal Campbell, Sabine Eckmann, Henning Engelke, David Getsy, Till Heilmann, Evan Hume, Razvan Ion, Sven Luetticken, Birgit Schneider, Alberto Toscano, Isabel Wünsche.

From automated navigation to weather forecasts, data visualizations, and painting, abstraction has an undeniable presence in the contemporary world. Yet, it not only represents but also creates worlds. It is an operative concept that likewise possesses an imaginary thrust for perceiving things otherwise. As such, abstraction comes in many different forms: It is an aesthetic, a technology, an epistemology, and a practice. Therefore, it is also a political attitude, a mode of description, a tool of complexity reduction, and an instruction for intervention. Depending on its context and use, it can take on radically different connotations, ranging from dehumanizing to appealing, from affirmative to critical, from incorporated to autonomous.

Taking its cue from the different meanings and applications of abstraction, the international lecture series “Abstraction Today: The Real and the Imaginary” is designed as an interdisciplinary endeavor with a focus on visual media and digital culture. Most digital technologies (like networks, computer simulation or artificial intelligence) and correlated practices are closely connected to different forms of abstraction on different levels. To do justice to the complexity of the phenomenon, the series brings together a group of international scholars, artists, and curators who speak on abstraction today as it unfolds in fields such as art, photography, film, design, image science, visual culture studies, philosophy, and more. Grounding the inquiries into the contemporary conditions of abstraction are contributions focusing on its historical lineage, most importantly its emergence within the discourse of modernism to be understood in its global and postcolonial plurality.

With Presentations by Kim Albrecht, Crystal Campbell, Sabine Eckmann, Henning Engelke, David Getsy, Till Heilmann, Evan Hume, Razvan Ion, Sven Luetticken, Birgit Schneider, Alberto Toscano, Isabel Wünsche.

Dieses Seminar ist als Diskussionsforum und Abschlusshilfe für alle gedacht, die an ihrer BA-Arbeit arbeiten.
Bis zur ersten Sitzung laden bitte alle TeilnehmerInnen ein PDF des Exposés ihrer BA-Arbeit in der Virtuellen Lehre hoch.

Beim LABORATORIUM handelt es sich um eine experimentelle Form des Kolloqiums. Die Besonderheit des LABORATORIUMS besteht darin, dass Masterstudierende aller Semester gemeinsam daran teilnehmen können. So hat jede/r Studierende bereits während des Studiums die Möglichkeit, Themen, die ihn/sie abseits der angebotenen Lehrveranstaltungen interessieren in diese alternative Form des Kolloquiums einzubringen und mit den anderen zu diskutieren und für Projekte, Hausarbeiten oder die Abschlussarbeit zu entwickeln.

Das Kolloquium LABORATORIUM unterstützt die Studierenden insbesondere bei der Themenfindung, der Operationalisierung von Forschungsproblemen, Literaturrecherchen und Strukturierung von Arbeiten, aber auch beim Schreiben und Planen.

Der Blick von oben fasziniert die technischen Medien seit über 100 Jahren, und die Einführung von Drohnen hat Luftbildaufnahmen endgültig zu einem omnipräsenten Feature in Film und Fotografie gemacht. Dabei sind Drohnen sowohl Werkzeuge, die die relativ einfache und günstige Herstellung von Luftbildern sowie die Sammlung von Daten ermöglichen, als auch Gegenstand von Spiel- und Dokumentarfilmen sowie künstlerischen Arbeiten. Drohnen sind Medien der Staatsmacht und der Gegenmacht. Sie stehen paradigmatisch für technische und gesellschaftliche Entwicklungen der Gegenwart, die Mark Andrejevic als „droning of experience“ bezeichnet hat.

Anliegen des Seminars ist es, einen Querschnitt von Medien zu sichten, die mit und über Drohnen arbeiten und dabei einerseits unterschiedliche Themen zu diskutieren, die von Krieg und Grenzschutz bis hin zu Klimawandel, Agrarwissenschaft und forensischer Ästhetik reichen, andererseits aber auch nachzuvollziehen, inwiefern sich in diesen Arbeiten eine spezifische Ästhetik finden lässt, die auf das Medium Drohne zurückzuführen ist und Bestimmungen und Beschreibungen desselben möglich macht. Hierzu gehen wir in jeder Sitzung von einer konkreten Fallstudie aus, die wir im Zusammenspiel mit theoretischen Positionen analysieren.

Eine Reihe von Ausstellungen, Publikationen und Filmen hat sich in den letzten Jahren mit Pflanzen, Gärten und Landwirtschaft auseinandergesetzt. So auch die Ausstellung "Seeds: Containers of a World to Come," die ich 2025 gemeinsam mit Meredith Malone für das Kemper Art Museum in St. Louis kuratiert habe. Die Ausstellung ist Ausgangspunkt für das Seminar, in dem es ebenso um Kunst und kuratorische Praktiken gehen wird wie um die theoretischen Diskurse und gegenwartspolitischen Fragen, die sich ausgehend von diesen ergeben. Zu ihnen gehören viel diskutierte Positionen von Anna Tsing, Robin Wall Kimmerer, Kathryn Yusoff, TJ Demos, Donna Haraway und anderen, die indigenes Wissen, postkoloniale und queere Theorie sowie post-industrielle Kapitalismuskritik anhand von Pflanzen und anderen more-than-human agents entwickeln. Wir werden diese Theorien und Kunstwerke aus medientheoretischer Sicht diskutieren und dabei sowohl Linien zur Kommunikation von Umwelt- und Klimafragen aufmachen als auch zum derzeit sich konstituierenden Forschungsfeld der Farm Media.

Texte und Bilder existieren oftmals nicht in separaten Sphären, sondern sie wirken aufeinander ein. Das zeigt sich nicht nur in der Funktion von Texten als Leseanleitungen für Bilder in Form von Bildunterschriften oder Bildbeschreibungen, sondern auch im Einsatz von visuellen Materialien als theoretischen Denkbildern oder in der alltäglich uns umgebenden Stadt als beschriebenem Raum. Die auf KI aufgebauten Text-Bild-Generatoren haben das Verhältnis von Text und Bild noch einmal verstärkt zum Thema gemacht und damit unterstrichen, was bereits die Collagen der Moderne gezeigt haben: dass nämlich das Verhältnis zwischen Text und Bild überaus komplex und produktiv ist.

Das Projektseminar setzt sich mit dem Verhältnis von Text und Bild seit der Moderne auseinander, wobei es einen Schwerpunkt auf die Gegenwart legt. Die Materialien, mit denen wir uns beschäftigen, stammen überwiegend aus dem Bereich der Kunst sowie Kunst- und Medientheorie, wozu u.a. Positionen von Walter Benjamin, Teju Cole, Mishka Henner, Hannah Höch, Louise Lawler, Gotthold Ephraim Lessing, Glenn Ligon, Kameelah Janan Rasheed, Kurt Schwitters und Hito Steyerl zählen.

Als Projektarbeit soll ein Print-Produkt entstehen, das mit Text und Bild arbeitet und deren Verhältnishaftigkeit in der Anwendung reflektiert. Denkbar sind etwa ein Zine, Poster, Performance-Skript oder Leporello. Wichtig ist, dass das Projekt ohne großen Aufwand reproduzierbar ist, da es an alle Seminarteilnehmer:innen als Mail Art verschickt werden soll. Die Projektentwicklung erfolgt während des Semesters. Sie wird im Kurs durch Übungen und wiederholtes Feedback begleitet. Außerdem arbeiten wir an einem gemeinsamen Glossar, das sich an den 26 Buchstaben des Alphabets orientiert. Als kollektives Kursergebnis wird so eine Sammlung von gedruckten Materialien entstehen, die erneut zur Reflexion über das Verhältnis von Text und Bild, kollektivem Arbeiten, Zirkulation und Reproduktion einlädt.

Der Flughafen Berlin-Tempelhof vereint an einem Ort unterschiedliche historisch-mnemonische Lagerungen, die sich in seinen Materialien und Architekturen sowie in seinen vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Nutzungen und Fiktionen zeigen. Das Projektseminar ist darauf angelegt, einzelne Aspekte des Ortes und seiner Assoziationen im Rahmen ästhetischer Forschungen zu erkunden, wobei Recherche, Analyse und Präsentation ineinandergreifen sollen.

Mögliche Themen sind die Beschäftigung mit der Geschichte einzelner Orte, wie etwa der Wetterstation oder dem aus Granitplatten des Palastes der Republik gebauten Skateparks, der NS-Architektur oder dem auf die US-Streitkräfte zurückgehenden Offizierskasino, Basketballplatz und Swimming Pool. Auch Design- und Umweltrecherchen sind denkbar sowie die Erkundung örtlich anschließender Kontexte wie die mehrfache Nutzung des Flughafens als Lager und als Luftschutzbunker für Menschen und Filme. Zudem eröffnen die angrenzenden (ehemaligen) Fabriken von Sarotti, Ullstein und Mercedes Geschichten der sogenannten (Gast-)Arbeit.

Zur Erschließung des Ortes werden wir zahlreiche Exkursionen in Berlin unternehmen und mit Personen sprechen, die im Umfeld von Tempelhof aktiv sind. Zu den Orten und Institutionen zählen neben dem Flugfeld und Flughafengebäude selbst das Zentrum für Berlin-Studien, die Stadtmuseen und -archive in Tempelhof und Schöneberg, das Alliierten-Museum, die Senatsverwaltung und die an der Umgestaltung vom Flughafen zum Landschaftspark beteiligten Architektur- und Kreativbüros. Außerdem werden wir uns künstlerische Arbeiten ansehen, die sich bereits mit dem Flughafen auseinandergesetzt haben. Gerahmt werden diese Recherchen von Texten zu künstlerischer Forschung, Erinnerungstheorie und Ansätzen, die wissenschaftliches und poetisches Schreiben, Fakt und Fiktion verbinden.

Ziel ist es, bereits nach vier Wochen die Themen und Formate für die Einzelprojekte zu bestimmen und im Verlauf des Semesters kontinuierlich und im Austausch mit den anderen Teilnehmer:innen an diesen zu arbeiten. Die Einzelprojekte sollen im Rahmen einer Abschlusspräsentation zusammengeführt werden. Wir werden gemeinsam entscheiden, ob dies eine Publikation, Homepage oder Ausstellung sein wird.

Die Migrationsbewegungen im 21. Jahrhundert sind mediale Phänomene insofern die Fluchtbewegungen durch die Verwendung von Medien ermöglicht, begleitet, überwacht, erschwert und behindert werden und die Künste diese medialen Lagerungen wiederum in ihren thematischen Annäherungen formal aufgreifen und reflektieren. Das Seminar lädt zur Auseinandersetzung mit dem Bedingungsverhältnis von Medien und Migration ein, indem es mit den dezidiert gegensätzlichen Erfahrungen und Standorten zweier Essay-Filme, Philip Scheffners Havarie und Amel Alzakouts Purple Sea, einsetzt und von dort aus um Bildlichkeit, Materialität und Geschichtlichkeit kreist. Es wird um Schiffbruch und Container-Warenverkehr, Social Media, Drohnen und Thermalbildkameras gehen, aber auch um die Re-Lektüre geschichtlicher Bezüge und die in ihnen eingelagerten Blind Spots. Zentral sind dabei künstlerische Arbeiten (Film, Video, Fotografie, Installation, Skulptur) mit ihrem Potential als Reflexionsmedium zu agieren.

Das Seminar setzt sich mit Fotografie als künstlerischer Theorie und Praxis in fünf Abschnitten auseinander: 1. Fotografie als Alltag spannt einen Bogen vom Aufkommen alltäglicher Gebrauchsfotografie in den 1920er-Jahren hin zu Nathan Jurgensons Überlegungen zum Social Photo heute. 2. Fotografie als Neues Sehen beginnt ebenfalls in den 1920er-Jahren mit Walter Benjamins, László Moholy-Nagys und Dziega Vertovs Positionierungen des Kamera-Auges als Sehmaschine, die Lev Manovich Anfang des 21. Jahrhunderts zum Anlass nimmt, um seine Language of New Media zu schreiben. Ebenfalls in diesen Zusammenhang gehören Überlegungen zu algorithmischer Bildlichkeit und Maschinensehen, wie sie etwa Trevor Paglen und James Bridle angestellt haben. 3. Fotografie als Inter-Medium zeigt, wie Film und Malerei auf die Fotografie zurückgreifen, um deren mediale Spezifik, u.a. das Verständnis der Fotografie als Index, für ihre eigenen narrativen und medialen Zwecke zu nutzen. Ein Schwerpunkt liegt dabei in der zunächst einmal überraschenden Nähe von Fotografie und abstrakter Malerei. 4. Fotografie als Herrschaftsinstrument greift die These von Ariella Azoulay auf, wonach die Fotografie nicht erst Mitte des 19. Jahrhunderts, sondern bereits mit der imperialen Logik und Lebensweise seit 1492 beginnt. Zusätzlich zu den kolonialen Besitzgesten, die sich als Bildpraktiken artikulieren, sind die Kolonien auch jene Orte, an denen die Rohstoffe für fotografische Verfahren, wie etwa Silber und Papier bzw. Baumwolle, extrahiert werden. 5. Identität, Repräsentation, Geschichte schließlich stellt Verbindungen zwischen Identitätspolitik und Fotografie anhand von queeren und BPoc Positionen her, wobei das Verlangen nach Sichtbarkeit als komplexe Forderung diskutiert wird, die Nicht-Sichtbarkeit einschließen kann und somit nicht zuletzt auch die abschließend zu diskutierenden Seh- und Wissens(an)ordnungen reflektiert.

Das Seminar nimmt seinen Ausgangspunkt im theoretischen Konzept einer forensischen Ästhetik, wie Thomas Keenan, Eyal Weizman und Forensic Architecture sie seit 2009 als dezidiert politische counter-forensics an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft entwickelt haben. Dabei geht es zunächst darum, die wichtigsten Aspekte einer forensischen Ästhetik herauszuarbeiten und anhand von case studies – zum Nationalsozialismus, zu Drohnenangriffen und zu Flüchtlingsschiffen im Mittelmeer – zu analysieren und den shift von Zeugen zu Orten und Dingen erinnerungs- und medientheoretisch zu kontextualisieren.
Im Anschluss daran soll das Bezugsfeld erweitert und danach gefragt werden, welche Rolle forensische Methoden der Spurensuche und -sicherung, der Fotografie, des Reenactments und der Biometrik in Film, Kunst und Erinnerungskultur spielen. Hierzu werden wir uns u.a. Filme von Michelangelo Antonioni, Claude Lanzmann und Joshua Oppenheimer sowie künstlerische Arbeiten von Thomas Demand, Andree Korpys/ Markus Löffler und Heather Dewey-Hagborg ansehen.

Der militärische Einsatz unbemannter Kampfdrohnen ist gegenwärtig ein viel diskutiertes Thema. Drohnen verschieben das Verhältnis von Körper, Raum und Krieg; sie bringen ungewohnte Perspektiven hervor; und sie erzeugen neue Formen von Verletzlichkeit. Das Seminar möchte diese Debatten aus medientheoretischer Perspektive nachvollziehen. Hierzu werden wir uns intensiv mit künstlerischen Arbeiten und aktivistischen Ansätzen (u.a. von Trevor Paglen, Louise Lawler, Omer Fast, Santiago Sierra, Harun Farocki, Werner Herzog und Forensic Architecture) beschäftigen, die den Drohnenkrieg sowohl direkt als auch indirekt zum Thema haben. Sie erproben unterschiedliche Formen des politisch motivierten Sichtbarmachens, Verschwindens und Zurücksehens und eröffnen dabei sowohl ästhetische als auch erinnerungstheoretische Bezüge. Diese reichen vom Terrorismus und den Kriegen des 20. Jahrhunderts, über Anordnungen des Panoptikums und Strategien der Camouflage, bis hin zur operativen Bildlichkeit und der erneuten Entfesselung der Kamera. Letztlich soll es also nicht nur darum gehen, den Drohnenkrieg und seine künstlerischen Sichtweisen medientheoretisch zu erschließen, sondern auch darüber nachzudenken, inwiefern sich Ansätze zu einer Medientheorie der Drohne entwickeln lassen.